L'instantanée

Calendrier des expos photo - printemps 2011

2011-02-10T23:43:00.003+01:00

Les expos de l'hiver se terminent, celles du printemps comment à pointer le bout de leur nez... Il était donc temps de mettre à jour le calendrier ! Comme d'habitude vous retrouvez une sélection des expositions de photographie à Paris et en proche banlieue dans tous les grands lieux consacrés au médium (Jeu de Paume, Maison européenne de la photographie, Centre photographique d'Ile-de-France, Fondation HCB...), mais aussi à des endroits plus inattendus comme cette fois à l'Hôtel de la Monnaie et à la Galerie des bibliothèques. Un petit nouveau fait son apparition également : Le Bal ! On aura l'occasion d'en reparler.

Vous retrouvez donc le calendrier ci-dessous et comme d'habitude, il est accessible en permanence par le menu ci-contre -->

Entretien avec Karim Kal

2011-02-08T16:31:00.003+01:00

Le photographe Karim Kal sera demain soir l'invité de Michel Poivert pour un entretien organisé dans le cadre des conférences mensuelles de la Société française de photographie.

C'est de 18h à 20h à l'Institut national d'histoire de l'art, 2 rue Vivienne, 2e arr., salle Vasari (1er étage). Entrée libre et sans réservation, venez !

Vous pouvez découvrir le travail de Karim Kal ici et consulter le programme des prochaines conférences de la SFP là.

Crédits photo © Karim Kal

Photo du jour

2010-07-05T09:54:00.006+02:00

Peter Henry Emerson, Coming Home from the Marshes (de retour des marais), épreuve au platine à partir d'un négatif verre au gélatino-bromure d'argent, planche I du recueil Life and Landscape on the Norfolk Broads, 1886.

Photographie exposée en ce moment au musée d'Orsay dans le cadre de l'accrochage "Photography Not Art" Le Naturalisme selon P.H. Emerson

Photo du jour

2010-07-01T22:14:00.007+02:00

Peter Henry Emerson, A Rushy Shore, épreuve au platine à partir d'un négatif verre au gélatino-bromure d'argent, planche XXXV du recueil Life and Landscape on the Norfolk Broads paru en 1886.

Photographie exposée en ce moment au musée d'Orsay dans le cadre de l'accrochage "Photography Not Art" Le Naturalisme selon P.H. Emerson

Photo du jour

2010-06-29T10:15:00.005+02:00

Peter Henry Emerson, Poling the Marsh Hay (le ramassage du foin des marais), épreuve au platine à partir d'un négatif verre au gélatino-bromure d'argent, planche XVII du recueil Life and Landscape on the Norfolk Broads paru en 1886.

Photographie exposée en ce moment au musée d'Orsay dans le cadre de l'accrochage "Photography Not Art" Le Naturalisme selon P.H. Emerson

Les expos photo de l'été

2010-06-22T11:59:00.004+02:00

Et voilà le deuxième calendrier ! Les principales expos de photographie à Paris et en banlieue y figurent.

Cliquez ci-dessous ou retrouvez-le en permanence dans le menu de droite --->

Les expos de l'été

2010-06-18T20:09:00.005+02:00

Si comme moi vous passez l'été à Paris, ce calendrier mis à jour devrait vous être utile pour ne pas vous morfondre alors que tout le monde est en vacances !

Comme pour la précédente édition, le fonctionnement est tout simple et vous permet d'avoir en un coup d'oeil un aperçu des expositions en cours. Chaque barre est cliquable et vous renvoie vers le site du musée organisant l'expo pour ainsi accéder aux informations utiles à la préparation de votre visite.

Gardez à l'esprit que je n'ai pas fait figurer sur le calendrier la totalité des expositions se tenant à Paris cet été, car la liste aurait été bien trop longue. Vous retrouvez ici les manifestations qui ont retenu mon attention. Les expositions de photographie ne s'y trouvent pas car elles feront l'objet d'un deuxième calendrier qui sera publié dans les jours à venir.

Cliquez sur l'image ci-dessous pour accéder au calendrier ou retrouvez-le en permanence tout en haut du menu à droite !

Watriss & Baldwin - Looking at the U.S. 1957-1986

2010-06-14T16:24:00.006+02:00

Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin, Surveillance des terres, sud-ouest du Texas, 1972

Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin, Samedi matin, Chef-lieu du comté, 1974

Il y a quasiment un an, je vous parlais de cette exposition que j'avais découverte à l'occasion d'une visite du musée de la photo de Charleroi. Looking at the U.S. retraçait le parcours aux allures de roadtrip, entrepris par le couple de photographes Wendy Watriss et Frederick C. Baldwin au travers des Etats-Unis. L'expo s'ouvrait sur l'un des premiers reportages mené alors en solo par Baldwin en 1957 sur le Ku Klux Klan, pour se conclure avec la série commandée par le magazine Life à Watriss dans les années 80 sur les victimes de l'agent orange suite à la guerre du Vietnam. Le coeur de l'expo était consacré à l'immense somme de clichés noir et blanc collectés par le couple à partir du moment où ils se rencontrent, en 1971, et décident de sillonner les Etats-Unis en caravane. Immersion et quête documentaire sont ici les maîtres mots.

Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin, Railroad Street, 1974

Si vous avez lu ma précédente note sur le photographe Jacob Holdt, qui entame sa plongée au coeur de l'Amérique des exclus dans les mêmes années, le rapprochement se fait immédiatement. Mais si la démarche qui fonde la collecte de ces clichés par Holdt présente de nombreux traits communs avec celle de Watriss & Baldwin, notamment cette profonde volonté de témoigner, il en résulte un singulier écart quant aux choix esthétiques opérés. Le choix du noir & blanc déjà, qui enracine le travail de Watriss & Baldwin dans la tradition du reportage documentaire d'avant-guerre. Watriss se revendique d'ailleurs de Walker Evans et Dorothea Lange, et l'on sent effectivement toute l'influence que la campagne de la FSA a pu avoir sur les deux photographes. Montrer les Etats-Unis dans leur diversité, tel est le but. Et si la constitution d'un reportage sociologique est l'ambition proclamée du couple, la distanciation n'est pourtant par nécessairement de mise. Comme chez Holdt, l'empathie des photographes pour les hommes et les femmes dont ils fixent les traits est évidente et n'en rend que plus parlant le portrait ainsi dressé d'un territoire riche de ses contrastes.

Looking at the U.S. est depuis le 10 juin présentée, après Charleroi, à la Maison de la Photographie Robert Doisneau de Gentilly. Allez-y !

Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin, Dîner de noces, demoiselle d'honneur et le père de la mariée, 1974

Wendy Watriss, Journée des vétérans de la guerre du Vietnam, Dan Jordan, 36 ans, vétéran de la guerre du Vietnam et son fils Chad, 10 ans, après un discours sur l'Agent Orange à l'extérieur du Texas State Capitol, Austin, 1981

Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin - Looking at the U.S. 1957-1986
Maison de la Photographie Robert Doisneau
10 juin - 3 octobre 2010

toutes images © Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin

Jacob Holdt - Faith, Love and Hope

2010-05-29T17:51:00.007+02:00

Jacob Holdt, S ELL, Virginia, 1974.

Jacob Holdt, Linda in her evening prayers outside her childhood home without electricity, La Crosse, FL. 1974.

Jacob Holdt, Ida Ford in her new shack, Perote, AL. 1994.

Jacob Holdt, Boy in a shack, Cedar Island, SC. 1989.

Le teasing aura été plus long que prévu et je m'en excuse ! L'enchaînement de deux concours et un nouveau job ont eu raison de mon agenda et du temps que j'aurais souhaité consacrer à mon blog. Mais tout vient à point à qui sait attendre et je vous livre enfin le billet tant promis consacré au photographe Jacob Holdt, découvert au hasard d'un week-end à Copenhague.

Petit flashback : nous sommes le 17 janvier et à vue de nez (gelé), il fait aux environs de -5° dans la capitale danoise. Les quelques jours passés à arpenter les rues, les musées et les restos de la ville ont été bien remplis, et j'ai déjà eu l'occasion de balader mon objectif un peu partout (les photos sont visibles ici). Partir en excursion encore un peu plus au Nord ne m'effraie plus vraiment et j'enfile une 3ème paire de collants, superposée aux 2 autres. On s'habitue à tout. Direction Louisiana donc, à 1h de train de Copenhague, à la découverte de son musée d'art moderne abritant notamment une sublime collection de sculpture du XXème siècle, et de sa vue magistrale sur l'Øresund. Je l'apprends à mon arrivée, la programmation a elle aussi tout pour me plaire : de la photographie, avec l'exposition temporaire Faith, Love and Hope : Jacob Holdt's America.

Jacob Holdt, Mary all dressed up in her old shack, Perote, AL. 1975.

Si j'ai décidé de revenir sur cette expo, c'est tout d'abord parce que le travail de Holdt m'a totalement acquise à sa cause et aussi parce que le photographe danois est en ce moment même exposé en France, au festival ImageSingulières de Sète jusqu'au 30 mai prochain. Si vous avez la chance d'être dans les parages, allez-y !

Singulier, c'est le qualificatif qui vient en premier à l'esprit lorsque l'on aborde l'oeuvre de Jacob Holdt. Il le dit lui-même, il n'est pas un bon photographe, il est un bon vagabond. Ce qu'il réussit le mieux, c'est à pénétrer là où nul autre ne parvient à entrer. L'immersion totale fonde sa démarche, qui le pousse sur les routes américaines de 1970 à 1975, parcourant en stop plus de 100 000 miles et collectant tout au long de cette errance quelques 15 000 clichés. Car Holdt veut avant tout témoigner.

Jabob Holdt, Samantha looking at the swamp from the trailor, Mississippi, 1996.

Témoigner de l'extrême pauvreté qu'il observe partout autour de lui, et qui touche au premier chef les populations noires. Témoigner du racisme profondément ancré dans la société américaine, de la ségrégation qui en découle. Tout cela, Holdt en fait l'expérience dans sa propre chair, partageant le quotidien des personnes qu'il photographie, avant même que de s'en faire le dénonciateur. Car Holdt est un militant. Dès 1978, il organise des projections itinérantes de ses photographies afin de faire entendre son message : lutter contre les discriminations et faire reculer le racisme est un combat de tous les instants.

Holdt a une conscience aigüe du profond enracinement de ces phénomènes, et dans son exploration de la mécanique du rejet de l'autre, sa démarche le mène très loin. C'est contre ses propres préjugés qu'il lutte lorsqu'il décide d'entrer en contact avec le Ku Klux Klan. Il se rend compte que lui-même n'est pas si différent de ces gens dont il avait cru vouloir dénoncer l'extrémisme. Lui aussi, a priori, porte sur eux un regard qui les condamne d'avance. C'est ici que le travail de Holdt prend une tournure éminemment subversive puisqu'il s'agit pour le photographe non pas de stigmatiser les membres du KKK mais de les montrer dans leur humanité, dans la banalité du quotidien. Attablés en famille autour du repas du soir, qu'est-ce qui les différencie de nous finalement, si ce n'est ce costume qui les rend ridicules ? Ridiculement humains, imparfaits, faillibles, remplis de doutes et de peurs.

Jacob Holdt, The Klan leader's Sunday meeting with the Grand Dragon of Illinois, Butler, IN. 2002.

Au sujet de Holdt, bien des références ont été évoquées. Les liens sont nombreux en effet avec d'autres photographes bien connus, dont les productions brouillent les frontières entre document et oeuvre d'art. On pense évidemment aux explorateurs des mille visages du territoire américain que sont Robert Frank, Harry Callahan ou Stephen Shore. Aux chroniqueurs d'un quotidien chaotique que sont Larry Clark et Nan Goldin. A l'esthétique acide de Martin Parr aussi.

Jacob Holdt, John was married to the sister of my Haitian girlfriend, but was afraid of blacks, Brooklyn, NY. 1973.

Mais en remontant le fil de l'histoire, un autre parallèle se fait jour. Ce n'est pas un hasard si la première "campagne photographique" de Jacob Holdt prend place au début des années 70, à une période charnière qui voit le basculement entre l'utopie hippie qui peine à démontrer sa viabilité et le début d'une crise financière profonde qui plonge des millions d'américains dans la misère. A ce titre, son travail se situe dans la filiation directe d'une autre campagne très célèbre, ménée par la Farm Security Administration entre 1935 et 1944 au sein de la politique du New Deal, faisant suite au crack boursier de 1929. Les photographies de Dorothea Lange et de Walker Evans, tous deux engagés par la FSA, font parti de ces clichés gravés durablement dans les mémoires de tous ceux qui les ont croisés.

Jacob Riis, One of four pedlars who slept in the cellar of 11 Ludlow Street rear, 1892.

Mais d'après moi, il existe un parallèle bien plus évident entre l'oeuvre de Jacob Holdt et celle d'un autre photographe entré dans l'histoire pour son travail mené dans les dernières années du XIXe siècle. Il s'agit de Jacob Riis, que l'on considère comme l'un des tout premiers photo-reporter. Son engagement dans la lutte contre la pauvreté le pousse à sonder les bas-fonds du Lower East Side et à en ramener un témoignage bouleversant qu'il publie en 1890 sous le titre choc How the over half lives. Comme Jacob Holdt, il est un étranger, immigré danois, en cette terre américaine. Comme lui, il explore l'envers du rêve américain qui laisse les plus faibles sur le côté de la route. Et comme lui, la valeur de témoignage de ses photographies est essentielle, n'hésitant pas à faire réaliser ses clichés par des opérateurs professionnels plus compétents et à diffuser son message par l'organisation d'expositions et de conférences.

Une même empathie, un même engagement, une même utopie. Près d'un siècle sépare Jacob Riis de Jacob Holdt, mais la misère humaine demeure.

Jacob Holdt, Kitchen in a shack in the middle of the cotton fields, Tyler, AL. 1995.

Images © Jacob Holdt

Photo du jour

2010-02-17T22:33:00.004+01:00

Jacob Holdt, Old woman in the moon light, Union Springs, AL. 1978.

Image © Jacob Holdt

Photo du jour

2010-02-15T13:53:00.003+01:00

Jacob Holdt, My landlady, the former prostitute Geegurtha, at the drug center rehab, Greensboro, NC. 1974.

Image © Jacob Holdt

Photo du jour

2010-02-14T18:55:00.004+01:00

Jacob Holdt, Boy in a shack, Cedar Island, SC. 1989.

Image © Jacob Holdt

Photo du jour

2010-02-13T20:19:00.003+01:00

Jacob Holdt, Nell in the projects, Jersey City, NJ. 1975.

Image © Jacob Holdt

Photo du jour

2010-02-12T11:57:00.003+01:00

Jacob Holdt, The Beauty and the Beast. Baggie feeding her baby while Nixon speaks on TV, Greensboro, NC., 1974.

Image © Jacob Holdt

Bonne année !

2010-01-01T19:49:00.010+01:00

Fête foraine sous la nef du Grand Palais - 31 décembre 2009.

Photo du jour

2009-12-02T23:30:00.001+01:00

André Kertész, New York, 1970.

Crédits photo : RMN (donation Kertész)

Photo du jour

2009-11-30T17:20:00.004+01:00

André Kertész, L'Horloge de la passerelle, New York, 1947.

Crédits photo : RMN (donation Kertész)

Photo du jour

2009-11-29T17:39:00.003+01:00

André Kertész, Paris, 1929.

Crédits photo : RMN (donation Kertész)

Photo du jour

2009-11-28T12:30:00.002+01:00

André Kertész, Carnaval, Paris, 1926.

Crédits photo : RMN (donation Kertész)

Photo du jour

2009-11-27T12:24:00.003+01:00

André Kertész, Violoniste ambulant aveugle, Abony, Hongrie, 1921.

Crédits photo : RMN (donation Kertész)

La FIAC aux Tuileries

2009-10-24T17:06:00.007+02:00

A l'occasion de la FIAC qui se tient jusqu'à demain au Grand Palais, l'art contemporain investit le jardin des Tuileries. Comme pour prolonger un peu l'ambiance de la Nuit Blanche, je m'y suis baladée à la tombée de la nuit. Art et nocturne forment décidément une équation qui séduit mon objectif.

Ugo Rondinone, Sunrise East.

Vincent Olinet, Pas encore mon histoire.

Kader Attia, Untitled.

Photos de l'auteur.

Vite, à la MEP !

2009-10-10T19:37:00.014+02:00

Howard Boland & Laura Cinti, The Martian Rose, installation, 2007-2009, festival @rt outsiders 2009

Une note rapide aujourd'hui pour vous signaler que les expositions de la Maison Européenne de la Photographie se terminent demain ! Si vous n'avez pas encore eu l'occasion d'y aller, c'est le moment où jamais. J'ai particulièrement apprécié la rétrospective consacrée au photographe sicilien Ferdinando Scianna dont le regard, à mi-chemin entre Robert Frank et Henri Cartier-Bresson, s'attache aussi bien au quotidien de son île natale qu'au reportage en terre plus lointaine. Le parcours très libre, ponctué uniquement de quelques citations de Scianna, laisse toute sa place aux images.

Ferdinando Scianna, Benares, Inde, 1970

Ferdinando Scianna, Nubie, Egypte, 1992

L'exposition consacrée au photographe turc Ara Güler mérite également qu'on s'y arrête, afin de découvrir le regard expressionniste et profondément lyrique que porte Güler sur Istanbul et ses mutations.

Ara Güler, Kumkapi, Turquie, 1950

Ara Güler, Üsküdar, Turquie, 1954

Des mutations du territoire il est également question au programme de la 10ème édition du festival @rt outsiders 2009, regroupant une vingtaine d'artistes sur le thème de l'(in)habitable. Qu'il s'agisse de la terre rendue stérile sous l'action de l'homme ou des nouveaux territoires hostiles rendus accessibles grâce à l'exploration et aux développement technologiques, les oeuvres démontrent que l'écologie occupe décidément une place de choix sur la scène médiatique actuelle.

Anne Brodie, Antarctica, a Choice ?, installation, 2007, festival @rt outsiders 2009

Howard Boland & Laura Cinti, The Martian Rose, installation, 2007-2009, festival @rt outsiders 2009

Le calendrier des expos - Paris automne 2009

2009-10-06T15:47:00.013+02:00

Ou plutôt les calendriers, puisque cette fois je vous en propose deux.

Tout d'abord un agenda des expositions qui me semblent les plus prometteuses cet automne. Gardez bien à l'esprit que pour effectuer cette sélection parmi les quelques 150 expos parisiennes organisées dans les mois à venir, il m'a fallu faire preuve de partialité. La plupart de ces expos n'ont d'ailleurs pas encore commencé et je ne les ai donc pas vues. Sur quels critères reposent mes choix ? Tout simplement sur mes expériences passées de visite dans les différents lieux accueillant les expositions. Par exemple, vous trouverez dans ma sélection August Sander "Voir, observer et penser", petite expo organisée dans les 2 salles de la Fondation Henri Cartier-Bresson, car je fais totalement confiance à cette institution, qui prouve avec constance qu'elle sait tirer le maximum de son espace pourtant restreint.

Quant au 2ème calendrier, il s'agit d'une liste la plus exhaustive possible des expositions de photographie organisées dans la capitale. Il est cependant possible que quelques unes d'entre elles aient échappé à mon attention, ou bien qu'elle n'aient pas encore été annoncées. N'hésitez pas à m'en faire part.

Cliquez sur les images pour accéder aux frises !

Les expositions incontournables - Paris automne 2009

Les expositions de photographie - Paris automne 2009

P.S. La frise défile au passage de la souris et vous pouvez cliquer sur chaque barre-exposition pour accéder au site de l'institution l'accueillant.

La Nuit Blanche 2009 aux Buttes-Chaumont

2009-10-05T11:43:00.019+02:00

J'avais de grands projets pour cette 8ème Nuit Blanche parisienne, de belles ambitions même. Une programmation énorme, répartie dans trois quartiers que j'aime beaucoup (Châtelet/le Marais, le quartier latin et le 19ème autour des Buttes-Chaumont), c'était alléchant et j'étais d'appétit à avaler les kilomètres à vélo pour couvrir un maximum de lieux.

Sauf qu'il y avait une chose que je n'avais pas prévue et qui est venue ruiner tout mon programme de la soirée. C'est de tomber littéralement amoureuse des oeuvres disséminées dans le parc des Buttes-Chaumont, transfiguré en fête foraine crépusculaire et illuminé d'un clair de lune voilé de nuages. Le résultat : plus de deux heures de flânerie et quelques photographies qui, je l'espère, laissent un peu transparaître la magie du lieu et de l'instant.

Le charme a mis longtemps avant de se dissiper mais j'ai tout de même poursuivi ma ballade dans l'arrondissement, le temps de découvrir les oeuvres installées à l'espace Pailleron, place de la bataille de Stalingrad, au gymnase Jean Jaurès, au Centquatre et le long du canal Saint-Martin. Toutes les photos sont ici.

Photos de l'auteur
1, 2, 3, 4, 11, 12 et 13 : installation de Noël Dolla, Chauds les marrons aux Buttes Chaumont 1789 - 2009, 220 ans de rêves
5 et 6 : installation de Vincent Olinet, Ma fête foraine
7 et 8 : installation de Nathan Coley, There will be no miracles here
9 et 10 : installation de Rune Guneriussen, Don't leave the lights on

Nuit blanche 2009

2009-10-02T14:33:00.003+02:00

C'est demain soir !

David Lynch aux Galeries Lafayette

2009-09-30T18:08:00.009+02:00

Deux ans après The Air is on Fire à la Fondation Cartier, le génial réalisateur David Lynch continue de nous dévoiler l'autre versant de sa production artistique à travers une série de 11 installations exposées en vitrine des Galeries Lafayette, boulevard Haussmann. Véritables théâtres animés d'ombres, de pantins, de machineries, de vidéos ou de bandes sonores, chaque vitrine constitue un petit monde en soi. Ce monde intérieur, traversé de fantasmes et de terreurs, Lynch s'en fait l'inlassable interprète tant dans sa production cinématographique que plastique. La galerie des Galeries (au 1er étage du magasin) accueille quant à elle une série de lithographies de l'artiste ainsi qu'une projection de ses courts métrages.

C'est jusqu'au 3 octobre. Oui je sais, le plus dur ce n'est pas de se motiver à y aller, c'est de parvenir à en sortir indemne financièrement parlant - vade retro corner Vuitton !

Photos de l'auteur

Arles - Rencontres de la photo 2009

2009-07-15T15:08:00.008+02:00

Soirée au théâtre antique, Projection de The Ballad of Sexual Dependency de Nan Goldin, accompagnement musical par les Tiger Lillies.

Ateliers SNCF, la Grande Halle

Exposition Roni Horn à la Grande Halle.

Ateliers SNCF, la Grande Halle

Projection de Luxury, dernier travail de Martin Parr sur une bande sonore de Caroline Cartier, atelier de maintenance.

Projection de photographies de Brian Griffin, atelier de maintenance.

Projection de Half Life de Michael Ackerman, au Capitole.

Plus de photos ici.

Arles 2009 - 40èmes Rencontres internationales de la Photographie

66 expositions dans toute la ville,
du 7 juillet au 13 septembre

Photos de l'auteur

Arles - Rencontres de la photo 2009

2009-07-14T20:31:00.006+02:00

Projection Annelies Strba, Shades of Time, atelier de mécanique.

David Armstrong accompagné de Nan Goldin présentant son exposition The Indecisive Moment, atelier de mécanique.

Exposition David Armstrong, The Indecisive Moment, atelier de mécanique.

Exposition Antoine d'Agata, Agonie, atelier de mécanique.

Anders Petersen présentant son exposition, atelier de mécanique.

Exposition Delpire & Cie, Eglise des Trinitaires.

Plus de photos ici.

Arles - 40èmes Rencontres Internationales de la Photographie
66 expositions dans toute la ville
du 7 juillet au 13 septembre.

Images de l'auteur.

Arles 2009 - 40èmes Rencontres Internationales de la Photographie

2009-07-13T22:36:00.007+02:00

Les premières images de la semaine d'ouverture du festival qui fête cette année ses 40 ans d'existence ! Une programmation à la mesure de l'événement, dont voici un aperçu en quelques photos.

JR, collage aux ateliers SNCF

Exposition On n'a pas tous les jours 20 ans, atelier de maintenance

Joan Fontcuberta présentant son exposition Blow up Blow up, atelier des forges

Blow up Blow up

Exposition Eugene Richards, vue du livre Cocaine True, Cocaine Blue, atelier des forges

Exposition René Burri, Blackout New York, atelier des forges

40èmes Rencontres internationales de la photographie d'Arles,
du 7 juillet au 13 septembre,
66 expositions dans toute la ville

Images de l'auteur

Lille – Transphotographiques 2009

2009-07-11T11:00:00.013+02:00

Stanley Greene, Chalklines.

Cette année, le festival de photo lillois porte son regard vers l'Est avec pas moins de 25 expositions au programme. La sélection est éclectique puisqu'elle mêle photographes issus de l'ancien bloc soviétique et photographes occidentaux. Tchèques, Slovaques, Géorgiens, Lettons, Slovènes, et une grande majorité de Polonais côtoient sur les cimaises la production récente de photographes français, suisses, allemands et américains. L'enjeu annoncé est simple : tirer de cette diversité de regards, qu'ils soient étrangers ou familiers, une vision kaleïdoscopique de cette Europe de l'est que l'on pense si bien connaître. Alors, promesses tenues ?

Je ne vais pas faire durer le suspens et je le dis tout net, j'ai été un peu déçue par cette édition du festival. La dernière fois que je m'y étais baladée, c'était en 2005 et j'avais adoré. Le commissariat d'Anne de Mondenard avait fait des merveilles : entre Depardon, Roversi et Ristelhueber j'en avais pris plein les yeux. Cette année, l'édition s'est dotée d'un illustre parrain en la figure de Stanley Greene, mais voilà, je n'y ai pas trouvé mon compte.

La journée avait pourtant pas mal commencé avec la visite de l'expo Grégoire Eloy. Très marquée par l'influence de son maître Stanley Greene, Wisowa est une série dotée d'une indéniable poésie, même si parfois les effets de style un peu trop faciles agacent. Je préfère de loin ses photos moins travaillées dont l'aura mélancolique me rappellent Koudelka.

Grégoire Eloy, Wisowa.

Difficile d'ailleurs de ne pas avoir à l'esprit le photographe tchécoslovaque et son célèbre reportage sur les Gitans en découvrant la programmation lilloise. Pas moins de 3 expos sont en effet consacrées aux Roms : Dominique Secher avec Romanès, Antoine Sude avec Roms, porte de Valenciennes, Lille et Yves Leresche avec Roma Realities. Malheureusement je ne suis pas convaincue que cette multiplication des points de vue apporte grand chose au sujet en l'occurrence. Au contraire, les redites plombent l'ensemble, lassent et exacerbent l'impression de cliché ( et pas au sens photographique du terme). C'est vraiment dommage parce que je suis convaincue que chaque travail, présenté indépendamment des autres, aurait pu se défendre.

Yves Leresche, Roma Realities.

En prenant un peu de recul sur l'ensemble de la programmation, je me rends compte que deux attitudes se profilent, se complétant tout autant qu'elles s'opposent. Et une évidence se fait jour : il y a un fossé entre le point de vu que l'on adopte en tant qu'étranger et le regard que l'on pose sur les choses qui nous sont familières. Ca m'a particulièrement frappée au Tri Postal, en découvrant le collectif polonais Photo-Shop, et particulièrement l'expo Zuza Krajewska & Bartek Wieczorek, qui prend un tournant clairement revendicateur par le biais de la provocation. Un coup de poing pareil ne pouvait venir que de l'intérieur. Il est clair qu'à l'est, la libération des moeurs reste à faire et qu'elle a même un caractère d'urgence quand on considère la récurrence du thème. Qu'il s'agisse de Dita Pepe, qui compose un portrait cynique de la femme au sein du foyer (rappelant par certains aspects Cindy Sherman), de Bartek Wieczorek, d'Oiko Petersen ou encore de Tomasz Rykaczewski concernant l'homosexualité et la transsexualité, le combat contre les stéréotypes est lancé.

Oiko Petersen, Guys. From Poland with love.

Dita Pepe, autoportrait.

Sur l'autre versant, les photographes occidentaux n'ont pas nécessairement un regard plus distancié ou moins engagé, mais l'approche est très différente. Et l'appel de la nostalgie est souvent le plus fort, avec cette tendance à photographier les choses alors qu'elle sont en train de disparaître. Je pense là en particulier à Jesus and the cherries de Jessica Backhaus, aux Chemins de traverses de François Daumerie et à Mer(s)noire(s) de Florence Lebert. Difficile d'ailleurs, à propos de cette dernière, d'éviter la comparaison avec le travail récent de Vanessa Winship sur le même sujet.

Florence Lebert, Mer(s) noire(s).

Non, ce qui me manque, au fil de ce parcours, c'est un peu d'équilibre, un souffle, une évidence ; mon coeur en a marre de faire le grand huit entre révolte provoc et poésie désuète. Mes attentes s'incarnent dans Chalklines de Stanley Greene. Découvrir son travail sur la Tchétchénie il y a quelques années à la Galerie Vu avait été un véritable choc. Et ce même sentiment m'envahit devant Chalklines, reportage constitué durant plusieurs années passées à tenter de retranscrire la complexité de la situation au Caucase. Un enjeu financier simple, le contrôle du pétrole, pour une onde de choc dont on ne mesure que difficilement les effets sur les territoires et leurs populations. Greene, étranger si familier de cette région, en rend compte avec un humanisme et une lucidité déchirantes.

Stanley Greene, Chalklines.

Stanley Greene, Chalklines.

Stanley Greene, Chalklines.

Transphotographiques 2009,
plusieurs lieux d'exposition à Lille,
jusqu'au 12 juillet 2009.
Entrée gratuite.

P.S. A venir, encore plus de festival et de photographie puisqu'à l'heure où je poste cette note, je me trouve aux 40èmes Rencontres d'Arles. La suite en images dès lundi (quand j'aurai remis la main sur le câble de transfert de mon Canon...) !

Promenade bruxelloise – épisode 3

2009-07-06T00:19:00.007+02:00

(photo de l'auteur)

Oui bon, je triche un peu ! Ce n'est pas à Bruxelles que je vous emmène aujourd'hui mais à 50 minutes de train de là, à Charleroi, pour une visite du Musée de la Photographie et de l'expo Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin - Looking at the U.S. 1957-1986. Celle-ci est terminée mais j'aimerais tout de même revenir dessus brièvement.

Logé dans un ancien carmel à l'architecture de briques rouges et d'arcs brisés néo-gothiques, le musée a fait l'objet récemment de travaux qui lui ont adjoint une nouvelle aile d'un style très contemporain, faite de verre, de béton et de métal. L'accrochage des collections fait écho à cette dualité en proposant une division en deux grandes sections ; la photographie des XIXème et XXème siècles prend place dans le carmel tandis que les collections plus contemporaines sont accueillies dans la nouvelle extension.

(photo de l'auteur)

Couvrant 170 ans d'histoire de la photographie, depuis ses débuts en 1839 avec l'invention du daguerréotype jusqu'aux créations les plus récentes, l'accrochage permanent permet de découvrir le médium au travers des plus grands noms, tout en faisant une place de choix aux photographes belges. La collection d'appareils est quant à elle abritée par la galerie entourant le cloître. Pour les passionnés de photo, c'est génial. On retrouve au fil du parcours bon nombre de clichés ultra célèbres - portraits de Cameron, compositions surréalistes de Maurice Tabard, instantanés d'Henri Cartier-Bresson, pour ne citer que quelques exemples – et aussi de jolies surprises en la présence d'oeuvres moins évidentes. La section pictorialiste est particulièrement riche, et reflète l'importance historique qu'ont eu les Photo-clubs belges au sein de ce courant au tournant du siècle. Bref, la collection est très belle et vaut vraiment le coup d'oeil.

(photo de l'auteur)

Là où je suis plus circonspecte, c'est quand je me mets à la place d'un visiteur découvrant l'histoire de la photo et que je me penche d'un peu plus près sur les textes qui jalonnent le parcours et sur le matériel pédagogique mis à disposition. Pour les enfants, pas de problème, toute une section ludique permet de découvrir et d'expérimenter le fonctionnement technique de la photo et même d'appréhender ses grandes problématiques comme la retouche ou l'usage médiatique. Non, là où il y a un souci, c'est quand il s'agit de la médiation auprès du public adulte. Seuls deux textes, assez courts, introduisent les deux grandes sections (XIXème et XXème siècle), et quelques brefs topos sur les avancées techniques ou les courants artistiques rythment la visite. Et malheureusement aucun audio-guide à disposition pour combler les manques. Ce qui me dérange le plus je crois, c'est que cette quasi absence de discours autour des images entretient cette apparente transparence de la photographie ; comme si le sens se faisait jour directement, sans qu'il y ait matière à questionnement. Comme si le fait que la photographie soit un enregistrement direct et mécanique des choses impliquait qu'on l'appréhende sans sourciller, qu'on la comprenne sans même la déchiffrer, qu'on se fie à elle comme à ce qu'imprime notre rétine.

Frederick C. Baldwin, Family decorating cars, Pooler, Georgia, 1957

C'est un peu cette même utopie que poursuivent Wendy Watriss et Frederick Baldwin, photographiant inlassablement les Etats-Unis des années 50 aux années 80. L'exposition retrace tout d'abord le travail mené en solo par Baldwin sur le Ku Klux Klan dans les 50's et sur le mouvement des droits civiques et le révérend Martin Luther King dans les 60's. Par la suite, le couple entreprend une exploration à vocation sociologique de l'Amérique au travers de sa population, tentant d'en retranscrire l'immense diversité. L'humain est encore et toujours au centre du travail de Watriss lorsqu'elle réalise son célèbre et poignant reportage sur les soldats victimes de l'agent orange lors de la guerre du Vietnam. Mais en réalité, ce qui retient le plus mon attention c'est cette volonté des deux photographes de co-signer toute la série de clichés qu'ils réalisent ensemble au Texas, dans l'optique d'écarter ainsi tout débat sur le style de l'un ou de l'autre, d'éliminer toute possibilité de comparaison. Comme si leurs individualités se dissolvaient au profit d'une plus grande objectivité et que le champ était ainsi laissé libre au spectateur de recevoir l'image sans questionnement, sans passer par le filtre d'une quelconque esthétique, ou même d'un point de vue. Est-ce vraiment possible ?

Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin, German American farmers, central Texas, 1973

Photo du jour

2009-06-15T11:38:00.003+02:00

Photo de l'auteur (polaroïd PoGo)

Photo du jour

2009-05-20T15:28:00.004+02:00

Photo de l'auteur (Polaroïd PoGo)

Photo du jour

2009-05-13T00:13:00.003+02:00

Photo de l'auteur (Polaroïd PoGo)

Photo du jour

2009-05-09T13:06:00.003+02:00

Photo de l'auteur (impression Polaroïd PoGo)

Photo du jour

2009-05-07T22:47:00.003+02:00

Photo de l'auteur (impression Polaroïd PoGo)

Photo du jour

2009-04-29T20:51:00.003+02:00

René Zuber, Phare d'Ouessant, 1930.

Photo extraite de l'expo Paris - Capitale photographique 1920-1940, en ce moment à L'Hôtel de Sully.

Promenade bruxelloise - épisode 2

2009-04-25T18:33:00.007+02:00

1. Antoon Van Dyck, Le prince Thomas de Savoie Carignan, 1634, Galleria Sabauda, Turin.

Après la rétrospective Robert Capa et les façades art nouveau, l'étape suivante de ma balade à Bruxelles nous mène au Palais des Beaux-Arts pour un petit tour de l'expo De Van Dyck à Bellotto – Splendeurs de la cour de Savoie qui s'y tient actuellement. Il s'agit d'une sélection des oeuvres les plus importantes que compte la collection de la maison de Savoie, habituellement abritée par la Galleria Sabauda de Turin. Celle-ci est en cours de déménagement pour réouvrir à l'horizon 2011 dans un nouveau lieu, bien plus à même de mettre en valeur la richesse de ses collections : le Palais Royal rénové. Durant les travaux les oeuvres, qui ont bénéficié aussi pour l'occasion d'une campagne de restauration, s'offrent un séjour à Bruxelles.

Le cadre offert par le Palais des Beaux-Arts, conçu par Victor Horta dans les années 1920, est somptueux et la muséographie de l'expo y fait écho. Le parcours mêle habilement approche chronologique et thématique en retraçant les étapes majeures de la constitution de la collection de la cour de Savoie sous l'impulsion de ses monarques successifs. La sélection s'étend du XVe au XVIIIe siècle, partant des manuscrits enluminés pour s'achever avec la peinture néoclassique, et retraçant tout autant l'histoire de l'art européen de ces siècles que l'histoire du goût des souverains. Un goût motivé aussi, il ne faut pas le négliger, par l'humanisme ambiant et une volonté toute politique de prouver l'ouverture de la maison de Savoie au monde. A ce titre, l'art flamand y figure en bonne position et l'exposition lui fait logiquement une place toute particulière.

2. Peter Paul Rubens, Hercule au jardin des Hespérides et Déjanire séduite par la Renommée, vers 1638, huile sur toile, chacune des toiles 245 x 168cm, Galleria Sabauda, Turin.

Rubens est bien sûr présent avec les deux très belles toiles d'une facture très libre, un Hercule au jardin des Hespérides et une Déjanire lui faisant pendant. Ma préférence va cependant à son plus célèbre élève, Van Dyck, qui prouve son excellence à dépeindre la figure enfantine, tout en nuance et en douceur, en signant un très touchant portrait des enfants de Charles Ier d'Angleterre.

3. Antoon Van Dyck, Les enfants de Charles Ier d'Angleterre, Charles, Mary et James, 1635, huile sur toile, 151 x 154cm, Galleria Sabauda, Turin.

4. Valentin de Boulogne, Saint Jérôme dans son étude, huile sur toile, 132 x 152 cm, Galleria Sabauda, Turin.

L'autre point fort de la collection se sont les caravagesques représentés notamment par Valentin de Boulogne dont la Marie Madeleine et le Saint Jérôme frappent par leur intensité. La lumineuse Annonciation d'Orazio Gentileschi, particulièrement bien mise en valeur par la scénographie, constitue quant à elle le joyau de la collection, à mon sens. Je crois que j'aurais pu passer des heures à la contempler et à parcourir du regard l'immense drapé rouge, citation directe du Caravage, dont la présence magnétique vampirise et embrase l'ensemble de la scène d'apparence si paisible.

5. Orazio Gentileschi, L'Annonciation, huile sur toile, 286 x 196cm, vers 1623, Galleria Sabauda, Turin.

6. Bernardo Bellotto, Vue de Turin depuis le jardin royal, 1745, huile sur toile, 128,5 x 174cm, Galleria Sabauda, Turin.

Comme le promet l'intitulé de l'expo, le parcours s'achève avec une Vue de Turin depuis le jardin royal, signé du fameux védutiste, disciple et neveu de Canaletto, Bernardo Bellotto. La reproduction que je vous présente ne rend malheureusement pas du tout justice à l'extrême précision du paysage, dont on pense qu'il a pu être réalisé avec l'aide d'une camera obscura. Détail qui nous ramène à la photo et à notre prochaine étape belge : le musée de la photographie de Charleroi et l'expo Watriss & Baldwin dont sont tirés les clichés de cette semaine.

La suite très vite !

7. Raphael Mengs, Saint Pierre sur sa cathèdre, huile sur toile, Galleria Sabauda, Turin.

De Van Dyck à Bellotto - Splendeurs de la Cour de Savoie
Exposition du 20 février au 24 mai 2009
Tous les jours sauf le lundi de 10h à 18h, nocturne le jeudi jusqu'à 21h

Palais des Beaux-Arts de Bruxelles
Rue Ravenstein 23, 1000 Bruxelles

Tarif plein : 9 euros
Tarifs réduits : de 1 à 7 euros

Photo du jour

2009-04-24T18:36:00.002+02:00

Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin, Wedding dinner, bridesmaid and father of the bride, 1974.

Photo extraite de l'exposition Looking at the U.S. 1957-1986, en ce moment au Musée de la Photographie de Charleroi.

© Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin.

Photo du jour

2009-04-23T10:38:00.004+02:00

Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin, Checking the rangeland, southwest Texas, 1972.

Photo extraite de l'exposition Looking at the U.S. 1957-1986, en ce moment au Musée de la Photographie de Charleroi.

© Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin

Photo du jour

2009-04-22T13:05:00.004+02:00

Frederick C. Baldwin, A moment of relaxation, municipal auditorium, Savannah, Georgia, 1963.

Photo extraite de l'exposition Looking at the U.S. 1957-1986, en ce moment au Musée de la Photographie de Charleroi.

© Frederick C. Baldwin

Photo du jour

2009-04-21T09:45:00.002+02:00

Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin, Railroad street, 1978.

Photo extraite de l'exposition Looking at the U.S. 1957-1986, en ce moment au Musée de la Photographie de Charleroi.

© Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin

Photo du jour

2009-04-20T10:40:00.003+02:00

Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin, Saturday morning, the county seat, 1974.

Photo extraite de l'exposition Looking at the U.S. 1957-1986, en ce moment au Musée de la Photographie de Charleroi.

© Wendy Watriss & Frederick C. Baldwin

Promenade bruxelloise - épisode 1

2009-04-19T01:25:00.009+02:00

Pas de compte-rendu d'expo parisienne, aujourd'hui on change d'air ! Je suis de retour de Bruxelles et c'est donc dans la capitale belge que je vous propose d'aller faire un tour. Art nouveau et expo photo au programme (avec une pause gaufre et bière d'abbaye, obligé) vous me suivez ?

On commence par la rétrospective Robert Capa qui se déroule en ce moment au Musée juif de Belgique. Si vous n'avez pas eu l'occasion de voir l'excellente expo Capa connu et inconnu organisée par la BNF en 2004, voilà de quoi s'offrir une petite séance de rattrapage. Parce que Capa, c'est un monument incontournable du photo-journalisme, ni plus ni moins.

1. Robert Capa, Le débarquement, paysan sicilien indiquant à un soldat américain la route prise par les Allemands, Sicile, 4 ou 5 août 1943.

Lorsqu'il fonde l'agence Magnum en 1947, aux côtés d'Henri-Cartier Bresson, de George Rodger et de David « Chim » Seymour, Capa a déjà derrière lui 15 ans de reportage à son actif. Qu'il s'agisse de ses débuts alors qu'il photographie Trotsky à la tribune ou de ses derniers clichés, pris en Indochine seulement quelques minutes avant de mourir en marchant sur une mine, la rétrospective est complète et se déploie sur les trois étages du musée. Les clichés les plus célèbres de Capa, pris lors de la guerre d'Espagne en 1936 et du débarquement américain d'Omaha Beach en 1945, sont bien sûr de la partie. Mais je me suis plus volontiers attardée sur quelques séries un peu moins connues tels que les reportages que Capa effectue en 1938 sur la guerre sino-japonaise, ou en Sicile lors du débarquement allié en 1943. Et comme on se trouve au musée juif, une place de choix a été faite aux reportages que réalise Capa dans l'Etat d'Israël naissant, témoignant de l'installation des premiers colons. La visite est complétée par la projection de 2 docs très intéressants. Seul point noir, mais il est de taille : toutes les photographies exposées sont des retirages récents et très agrandis par rapport au format dans lequel les clichés avaient été diffusés dans la presse. Et malheureusement les quelques vitrines présentant journaux et revues d'époque ne sont pas assez nombreuses pour permettre une remise en contexte suffisante. C'est dommage, mais si vous ne connaissez pas du tout Capa, l'expo vaut tout de même le coup d'oeil.

2. Robert Capa, Israël, 1949.

On continue avec un tout autre programme : une balade à vélo à la découverte des façades art nouveau dans les quartiers de Saint-Gilles et d'Ixelles. Bon plan suggéré par ma petite soeur (merci encore !), ces promenades avec guide sont organisées tous les dimanches sur des thèmes différents par l'association Pro Velo. Moi le vélo, c'est mon truc ! Ca doit faire maintenant 4 ou 5 ans que c'est devenu mon unique mode de locomotion à Paris, donc Bruxelles, même pas peur ! Mais franchement, pas besoin d'être un habitué pour suivre, la circulation est peu dense le dimanche, le rythme très peinard et les arrêts nombreux. Sur notre parcours, d'une durée de 3h30, pas moins d'une quinzaine de maisons sont au programme, dont l'hôtel Tassel, première réalisation du maître belge de l'art nouveau, Victor Horta, le célébrissime hôtel Solvay, ou encore le magnifique hôtel Ciamberlani dû à Paul Hankar. Ma préférée reste cependant la maison des architectes Léon et Ernest Delune au 6 rue du Lac, avec son immense fenêtre perçant la façade sur deux étages, sa porte d'entrée en forme de crosse et bien sûr ses sublimes vitraux à motifs floraux.

3. Paul Hankar, Hôtel Ciamberlani, n°48 rue Defacqz, 1897.

4. Albert Roosenboom, n° 83 rue Faider, 1900.

5. Victor Horta, Hôtel Tassel, n° 6 rue Paul-Emile Janson, 1893.

6. Victor Horta, Hôtel Solvay, 224 avenue Louise, 1894.

7. Jules Brunfaut, Hôtel Hannon, n° 1 avenue de la Jonction, 1903.

8. Léon et Ernest Delune, n° 6 rue du Lac, 1904.

Parmi les petits bijoux d'architecture art nouveau qu'offre Bruxelles, bien peu sont ouverts au public malheureusement. La maison Paul Cauchie, accessible le premier week-end de chaque mois, vaut largement le détour pour sa salle de réception entièrement décorée de sgraffites (quelques photos ici). Et bien entendu, impossible de faire l'impasse sur la visite de la maison Horta, dont la façade, déjà très belle, ne laisse que peu présager de la splendeur du décor intérieur. Voilà pour l'instant ce que j'ai pu apercevoir de l'art nouveau à Bruxelles, mais il me reste encore beaucoup à découvrir, comme j'ai pu le constater en faisant un petit tour sur cet excellent site. J'ai d'ores et déjà très envie de repartir et de compléter mon exploration. Vos bonnes adresses sont les bienvenues !

Voilà pour la première partie de mon séjour bruxellois. Le reste des photos est visible ici. Dans le prochain épisode : l'expo De Van Dyck à Belotto en ce moment au Bozar, et bien sûr de la photo, toujours de la photo avec une visite au musée de Charleroi où se tient l'expo Watriss & Baldwin.

Photos 1 et 2 : tous droits réservés Cornell Capa /Magnum
Photos 3 à 8 de l'auteur.

Photo du jour

2009-03-18T18:30:00.002+01:00

Giorgia Fiorio, Frère Rizça, jésuite seminariste, Cracovie, Pologne, mai 2000.

Cliché extrait de la série Le Don - exposition en ce moment à la Maison Européenne de la Photographie.

Image tous droits réservés Giorgia Fiorio, courtesy Grazia Neri Agency.

Photo du jour

2009-03-17T10:49:00.003+01:00

Miguel Angel Rios, Untitled (tops 529), 2006-2007.

Cliché extrait de la vidéo Aqui - exposition en ce moment à la Maison Européenne de la Photographie.

Image tous droits réservés Miguel Angel Rios, courtesy Evo Gallery.

Photo du jour

2009-03-16T21:27:00.004+01:00

Minot et Gormezano, Le Haut-Pays, 8, 2004-2006.

Cliché extrait de L'Ombre, le reflet - exposition en ce moment à la Maison Européenne de la Photographie.

Image tous droits réservés Minot et Gormezano http://www.minot-gormezano.com/

Guy Tillim – Jo'Burg & Avenue Patrice Lumumba

2009-03-13T21:51:00.005+01:00

1. Guy Tillim, Vue d'un appartement de Jeanwell House donnant sur l'intersection de Nugget et Pritchard Streets, Série Jo'Burg, 2004.

« La terre où je suis né m'est devenue étrangère à mesure que je la découvrais. Le désir de photographier cette scène est moins lié à la volonté d'en poser le décor que de m'y situer moi-même. »

L'Afrique du Sud, telle est cette terre qu'explore et qu'interroge le photographe Guy Tillim. Né en 1962 à Johannesburg, en plein apartheid, le regard que Tillim porte sur son propre pays est complexe. Comment aimer ce territoire que l'on sait sien mais qui porte encore et toujours les stigmates du déchirement de ses peuples, d'une intolérable injustice ? Chaque cliché de Tillim semble poser cette question et apporter un fragment de réponse dans sa quête. Reconquérir son propre territoire – tant matériel que sensible - voilà l'enjeu.

L'exposition qu'organise la Fondation Henri Cartier-Bresson propose au visiteur de découvrir deux séries majeures dans la production de Tillim : Jo'Burg réalisée en 2004 et récompensée par deux prix, ainsi que la toute récente série Avenue Patrice Lumumba (2008). D'apparences assez différentes, chacune constitue tout autant un témoignage, un état des lieux d'une Afrique en souffrance, qu'une étape dans le chemin que parcourt Tillim vers la réappropriation, la réconciliation.

2. Guy Tillim, Manhattan Court, Plein Street, Série Jo'Burg, 2004.

3. Guy Tillim, Mbulelo's bar, Joel Road, Berea : Justice Sibanyone (au centre) et sa femme Monica (à gauche), Série Jo'Burg, 2004.

Chacune des deux sections de l'expo est introduite par un texte écrit par Tillim où le photographe explicite le contexte politique dans lequel les photographies doivent être replacées. Pour Jo'Burg, il s'agit de la désertion par les Blancs dans les années 90 du centre de Johannesburg, sa ville natale. Le photographe s'est plongé dans le quotidien des habitants pauvres qui ont investi les gigantesques tours désaffectées. L'approche de Tillim est ici nettement engagée et dénonciatrice, mais sans aucune théâtralisation. On ne ressent pas uniquement l'empathie du photographe pour ces gens, mais aussi l'acuité d'un regard qui s'attache à décrire les traces que laissent les drames dans le sol, les murs, et peu à peu modèlent tout un territoire.

4. Guy Tillim, Après une expulsion, Noverna Court, Paul Nel Street, Hillbrow, Série Jo'Burg, 2004.

5. Guy Tillim, Archives du tribunal de Lubumbashi, République Démocratique du Congo, série Avenue Patrice Lumumba, 2007.

C'est cette piste que suit Tillim dans la série Avenue Patrice Lumumba, qui le conduit à élargir son champ de vision. Entre 2007 et 2008, le photographe explore le Mozambique, le Bénin, le Ghana, l'Angola, la République Démocratique du Congo, Madagascar, poursuivant « une errance au fil des avenues des rêves ». Ces avenues qui ne mènent nulle part si ce n'est sur le seuil des illusions perdues, celles dont le nom de Patrice Lumumba, héros de l'indépendance du Congo, forme le réceptacle. Hôtels en ruine, piscines vides, squares à l'abandon, statues démontées et entreposées telles des Buddhas allongés dans un coin de jardin, salles d'archives remplies d'un millefeuille jauni et poussiéreux... comme à Johannesburg, il s'agit ici aussi d'une désertion, plus souterraine et plus insidieuse, celle des utopies. Tillim en prend acte et porte sur ce paysage un regard d'archéologue, fouillant strate après strate les détails du vide, le creux laissé par la fuite des rêves.

6. Guy Tillim, Au coin des avenues Almeira Pibeiro et Patrice Lumumba, Maputo, Mozambique, série Avenue Patrice Lumumba, 2007.

Une démarche qui, si elle rappelle dans son esthétique certains paysages de Joel Sternfeld ou de David Goldblatt, compatriote de Tillim, a dans le fond beaucoup plus à voir avec le travail sur l'empreinte mené par Sophie Ristelhueber, exposé en ce moment au Jeu de Paume.

7. Guy Tillim, Gouverneur de Quelimane à l'époque coloniale, Avenue Patrice Lumumba, Quelimane, Mozambique, série Avenue Patrice Lumumba, 2008.

Guy Tillim – Jo'Burg & Avenue Patrice Lumumba
Exposition du 13 janvier au 19 avril 2009

Fondation Henri Cartier-Bresson
2 impasse Lebouis, Paris 14e

Du mardi au dimanche de 13h à 18h30
Le samedi de 11h à 18h45
Nocturne le mercredi jusqu'à 20h30

Tarif plein : 6 euros
Tarif réduit : 3 euros

toutes images © Guy Tillim, courtesy galerie Michael Stevenson.

Terre natale - ailleurs commence ici

2009-03-13T14:23:00.003+01:00

Juste une petite note pour vous rappeler que l'expo Terre Natale à la Fondation Cartier se termine bientôt. Vous avez jusqu'à dimanche pour découvrir la confrontation des points de vue du cinéaste et photographe Raymond Depardon et de l'urbaniste et philosophe Paul Virilio sur le thème de l'attachement à la terre. Un concept difficile à saisir autant qu'à décrire par les mots : terre natale, homeland... peut-être l'allemand Heimat est ici plus riche de signification.

Quoi qu'il en soit, la Fondation vous permet de mener cette réflexion en nocturne ce vendredi 13 et également demain samedi 14, grâce à une ouverture exceptionnelle jusqu'à minuit !

Robert Frank - Metropolis

2009-03-03T16:47:00.005+01:00

Robert Frank, Indianapolis, 1956. Photo parue dans Les Américains, Delpire, 1958.

Tandis que le Jeu de Paume accueille l'exposition Robert Frank, un regard étranger, dont je vous parlais il y a quelques temps, Arte consacrait samedi dernier dans Metropolis un reportage au photographe et à son livre culte Les Américains. L'émission, qui comporte une interview exclusive de Frank, est visionnable sur le site Arte+7 jusqu'à samedi prochain.

La culture en nocturne à Paris

2009-03-02T21:06:00.007+01:00

(Photo de l'auteur)

De plus en plus d'institutions culturelles s'adaptent au rythme de vie des citadins et proposent en semaine des nocturnes. Problème : cette pratique n'est pas uniformisée et pour en profiter pleinement, encore faut-il se souvenir des jours et des horaires spécifiques à chaque établissement !

Je vous propose donc un petit récapitulatif organisé selon les jours de la semaine. Si vous constatez une erreur ou une omission, n'hésitez pas à m'en faire part et j'apporterai les correctifs nécessaires.

Lundi

- Musée du Luxembourg jusqu'à 22h (lors des expositions temporaires)

Mardi

- Fondation Cartier jusqu'à 22h
- Jeu de Paume jusqu'à 21h
- Musée Marmottan jusqu'à 21h

Mercredi

- Musée du Louvre jusqu'à 22h
- Pinacothèque de Paris jusqu'à 21h le 1er mercredi de chaque mois (lors des expositions temporaires)
- Fondation Henri Cartier-Bresson jusqu'à 20h30 (lors des expositions temporaires)
- Centre culturel irlandais jusqu'à 20h (lors des expositions temporaires)
- Musée d'art et d'histoire du judaïsme jusqu'à 21h (lors des expositions temporaires)

Jeudi

- Musée d'Orsay jusqu'à 21h45
- Institut du Monde arabe jusqu'à 21h30
- Cité de l'architecture et du patrimoine jusqu'à 21h
- Les Arts décoratifs jusqu'à 21h
- Musée d'art moderne de la ville de Paris jusqu'à 22h
- Musée du Quai Branly jusqu'à 21h
- Centre culturel suisse jusqu'à 22h (lors des expositions temporaires)
- La Maison rouge jusqu'à 21h
- Petit Palais jusqu'à 20h (pour les expositions temporaires)
- Musée des Arts et Métiers jusqu'à 21h30
- Centre culturel canadien jusqu'à 20h
- Mémorial de la Shoah jusqu'à 22h

Vendredi

- Musée du Louvre jusqu'à 22h
- Musée du Luxembourg jusqu'à 22h (lors des expositions temporaires)
- Musée du Quai Branly jusqu'à 21h
- Cité de la Musique jusqu'à 22h (pour les expositions temporaires)

Samedi

- Musée du Quai Branly jusqu'à 21h
- Cité de la Musique jusqu'à 22h (pour les expositions temporaires)

Et aussi

- Centre Pompidou tous les jours (sauf le mardi) jusqu'à 22h
- Palais de Tokyo tous les jours (sauf le lundi) jusqu'à minuit
- Grand Palais, nombreuses nocturnes, jours et horaires variables selon l'exposition en cours

Photo du jour

2009-02-28T23:11:00.004+01:00

Guy Tillim, Grand Hotel, Beira, Mozambique, 2008. Série Avenue Patrice Lumumba.

© Guy Tillim

Photo du jour

2009-02-27T23:56:00.003+01:00

Guy Tillim, Grand Hotel, Beira, Mozambique, 2007. Série Avenue Patrice Lumumba.

© Guy Tillim

Photo du jour

2009-02-26T16:43:00.004+01:00

Guy Tillim, Tour d'habitation avenue Bagamoyo, Beira, Mozambique, 2007. Série Avenue Patrice Lumumba.

© Guy Tillim

Photo du jour

2009-02-25T21:15:00.006+01:00

Guy Tillim, Incendie menaçant le Miller Weedon building sur Twist Street, Johannesburg, Afrique du Sud, 2004. Série Jo'Burg.

© Guy Tillim

Photo du jour

2009-02-24T20:09:00.005+01:00

Guy Tillim, Yonela Kwaza, Grafton Road, Yeoville, Johannesburg, Afrique du Sud, 2004. Série Jo'Burg.

© Guy Tillim

Photo du jour

2009-02-23T22:05:00.006+01:00

Guy Tillim, Expulsion des locataires par les "Red Ants", Auret Street, Jeppestown, Johannesburg, Afrique du Sud, 2004. Série Jo'Burg.

© Guy Tillim

Sophie Ristelhueber

2009-02-22T22:20:00.009+01:00

1. Sophie Ristelhueber, Every One #8, 1994, épreuve argentique n&b montée sur plaque de fibre de bois.

2. Sophie Ristelhueber, Every One #14, 1994, épreuve argentique n&b montée sur plaque de fibre de bois.

Parallèlement à l'expo Robert Frank dont je vous ai déjà parlé, les galeries du Jeu de Paume consacrent une toute première rétrospective à la photographe française Sophie Ristelhueber, dont les oeuvres depuis les années 1980 explorent par diverses pistes les notions de mémoire et de trace dans un registre qui n'a de documentaire que l'apparence.

3. Sophie Ristelhueber, Fait #46, 1992, épreuve chromogène.

4. Sophie Ristelhueber, Fait #20, 1992, épreuve chromogène.

5. Sophie Ristelhueber, Fait, 1992, épreuve chromogène.

6. Sophie Ristelhueber, Fait, 1992, épreuve chromogène.

C'est une sorte de préambule à la note d'aujourd'hui que j'ai voulu constituer la semaine dernière en proposant quelques photos de guerre. Pas n'importe quelles photos cependant, puisqu'elles avaient pour trait commun de ne pas présenter la guerre dans sa composante humaine, mais au travers de l'empreinte qu'elle laisse derrière elle dans le paysage. Constructions éphémères d'un côté quand la défense organise tranchées et barricades ; destructions durables de l'autre quand l'assaut fait éclater sols et édifices.

“Sans doute, comme artiste, suis-je moi aussi en guerre.”

C'est cette imagerie que convoque Sophie Ristelhueber, cette photographie d'avant l'instantané que la technique confinait aux sujets quasi immobiles. Impossible d'enregistrer sur la plaque sensible le feu du combat avant les années 1880. Les photographes, tels Fenton ou O'Sullivan par exemple, documentent donc le déroulement des événements dans de saisissants “avant-après” permettant de mesurer l'ampleur des destructions, tant matérielles qu'humaines.

7. Sophie Ristelhueber, WB #7, 2005, tirage argentique sur aluminium.

8. Sophie Ristelhueber, WB #98, 2005, photo couleur marouflée sur aluminium.

9. Sophie Ristelhueber, WB #48, 2005, photo couleur marouflée sur aluminium.

L'emprise de l'homme sur la terre, les traces qu'il y laisse sont autant de cicatrices que Sophie Ristelhueber enregistre minutieusement, sans affect apparent, sans drame. On pourrait penser qu'il n'y a là qu'un usage du médium pour sa valeur indicielle, un simple relevé topographique de blessures de guerre, un constat, comme une page de plus dans un rapport d'autopsie. Beyrouth post-apocalyptique en 1984 (série Beyrouth - Photographies), l'Irak lors de la première guerre du golfe en 1992 (série Faits), la Cisjordanie en 2003-2004 (série WB), l'Irak à nouveau en 2001... pas de drame non, dans les clichés de Sophie Ristelhueber, mais une sourde inquiétude qui ne laisse pas l'esprit au repos.

10. Sophie Ristelhueber, Beyrouth, 1984, tirage argentique n&b.

11. Sophie Ristelhueber, Beyrouth, 1984, tirage argentique n&b.

Et mieux vaut être vigilant en effet, surtout lorsque l'on aborde une des séries les plus récentes de l'artiste, Eleven Blowups, exposée aux Rencontres d'Arles 2006. Une toute autre dimension est atteinte lorsque l'on découvre que ces cratères, déchirant la terre et l'aspirant, sont certes réels mais issus d'archives, et que ce que nous contemplons est une série de photomontages. Les fragiles frontières entre vrai et faux éclatent et ces images d'un réalisme si parfait qu'il avait d'emblée emporté notre adhésion, viennent faire vaciller nos croyances.

12. Sophie Ristelhueber, Eleven Blowups, #10, 2006, sérigraphie sur verre.

13. Sophie Ristelhueber, Eleven Blowups, #7, 2006, sérigraphie sur verre.

14. Sophie Ristelhueber, Eleven Blowups, #1, 2006, sérigraphie sur verre.

Une même mutation du sens s'opère dans le film Fatigue - réalisé spécialement pour l'exposition – cette fois non pas au sein de l'image mais dans sa mise en scène. La caméra parcourant en plan rapproché la surface des photographies (une procédure que l'on retrouve chez Sarah Moon) ne permet aucune mise en perspective de ce que l'on contemple. Sans recul, le regard glisse sur la surface des images, suivant le mouvement de la caméra qui peu à peu, en s'éloignant, recadre, remet en place le sens de ce qui se trouve sous nos yeux.

C'est encore à Sarah Moon que je pense devant la série Vulaines composée de diptyques rapprochant photos d'un lieu et photos d'enfance. Un jeu sur le sens encore, la mémoire aussi, ici mis en scène par une simple juxtaposition de deux photographies. Comme chez Robert Frank, la narration naît de l'entre-deux, de cet espace menant d'une image à l'autre où s'épanouit la rêverie et où le souvenir s'invente et se réinvente à l'infini.

15. Sophie Ristelhueber, Vulaines IV, 1989, diptyque, tirages argentiques montés sur aluminium avec cadre recouvert de papier peint.

Sophie Ristelhueber
Exposition du 20 janvier au 22 mars

Jeu de Paume
1 place de la Concorde, Paris 8e

Mardi (nocturne) : 12h à 21h
Mercredi à vendredi : 12h à 19h
Samedi et dimanche : 10h à 19h
Fermeture le lundi

Tarif plein : 6 euros
Tarif réduit : 4 euros

Photo du jour

2009-02-15T20:03:00.003+01:00

Alexander Gardner, Bataille de Gettysburg, Vue de la ligne nordiste, juillet 1863.

Vers de nouveaux rivages - l'avant-garde russe dans la collection Costakis

2009-02-14T16:49:00.013+01:00

1. Boris Ender, Mouvement de forme organique, 1919, huile sur toile, Musée national d'art contemporain - collection Costakis, Théssalonique.

Une courte note aujourd'hui pour vous parler de peinture. Non non, ce n'est pas encore devenu un gros mot sur ce blog que je consacre principalement à la photo ! Disons simplement que l'expo qui se tient en ce moment au musée Maillol vaut le détour.

Son grand intérêt est de présenter un panorama de l'art russe d'avant-garde des années 1910 à 1940 au travers d'une sélection d'oeuvres certes restreinte, mais de grande qualité. La collection constituée avec peu de moyens dans les années 50-60 par George Costakis, amateur autodidacte qui s'est forgé son propre regard sur l'art, comprend en effet l'essentiel des grands noms du suprématisme, du cubo-futurisme et du constructivisme tels Malevitch, Popova, Rodtchenko, El Lissitzky ou encore Tatline, mais pas seulement.

2. Gustave Kloutsis, Ville dynamique, 1919, huile sur toile, Musée national d'art contemporain - collection Costakis, Théssalonique.

3. Gustave Kloutsis, Carte postale des Spartakiades de Moscou – Le sportif doit être un tireur d’élite, 1928, photomontage, Musée national d'art contemporain - collection Costakis, Théssalonique.

On découvre au fil du parcours bon nombre d'artistes aux noms moins célèbres mais dont les oeuvres témoignent du fourmillement des recherches artistiques menées en Russie alors. J'ai particulièrement apprécié Gustave Kloutsis et son énigmatique Ville dynamique, ses photomontages au graphisme acéré pour la promotion des Spartakiades de Moscou, les recherches sur la lumière, le reflet et la matière de la Constructon linéaire d'Ivan Koudriachov (impossible de trouver une repro, désolée), ou encore les collages de Xénia Ender qui m'évoquent aussi bien Matisse que certaines compositions d'op'art de Bridget Riley.

5. Xénia Ender, Sans titre, vers 1924-1926, collage sur papier, Musée national d'art contemporain - collection Costakis, Théssalonique.

La dernière oeuvre du parcours, un Rythme expressif de Rodtchenko de 1943-1944 a quant à lui beaucoup à voir avec les all-over de Pollock. L'expression avant-garde prend là tout son sens.

6. Alexander Rodtchenko, Rythme expressif, 1943-1944, gouache sur papier.

Seul point noir au tableau, plusieurs toiles importantes de Popova et de Rodtchenko (6 oeuvres au total) ont quitté depuis le 26 janvier les cimaises du musée Maillol pour rejoindre celles de la Tate Modern. Elles ont été remplacées par de très discutables fac-similés, montés sur toile et accrochés en lieu et place des oeuvres originales. Je suis persuadée que le but n'est pas de leurrer le visiteur, mais personnellement j'aurais préféré que le statut de ces reproductions soit plus visible et mieux assumé.

Vers de nouveaux rivages - l'avant-garde russe dans la collection Costakis
exposition jusqu'au 2 mars

Fondation Dina Vierny - Musée Maillol
61 rue de Grenelle, Paris 7e

tous les jours de 11h à 18h sauf les mardis et jours feriés
Tarif plein : 8 euros
Tarif réduit : 6 euros

Photo du jour

2009-02-11T22:41:00.002+01:00

Anonyme, Vue aérienne du bois de Cartenoy, 1917, Musée d'Orsay.

Photo du jour

2009-02-10T15:01:00.004+01:00

Roger Fenton, Vallée de l'ombre de la mort, Crimée, 1855, épreuve sur papier salé à partir d'un négatif sur verre, Getty, Los Angeles.

Photo du jour

2009-02-09T16:55:00.003+01:00

Jean-Charles Langlois, Frédéric Martens, Léon-Eugène Mehedin, Panorama de Sébastopol pris de la tour Malakoff, Crimée, 1855, épreuve sur papier salé albuminisé à partir d'un négatif papier retouché, Musée d'Orsay.

Robert Frank – Un regard étranger

2009-02-07T21:22:00.010+01:00

1. Robert Frank, Hollywood, Les Américains, 1958.

“1947. Je pars pour l'Amérique. Comment peut-on être suisse ?”

C'est en européen exilé, happé par le tumulte du New York de la Beat Generation que le zurichois Robert Frank aborde pour la première fois en 1947 le territoire américain. Le photographe se forge rapidement une vision très personnelle et hautement subjective du reportage, multipliant les voyages en Amérique du Sud et les aller-retours entre l'Europe et les Etats-Unis.

En 1955, grâce au soutien de Walker Evans, il est le premier étranger à obtenir une bourse du Guggenheim. C'est le début d'un roadtrip de 2 ans qui le mène sur les routes de New-York à San Francisco, des main streets aux suburbs, et dont résultent quelques 28 000 photos. Parmi cette montagne de clichés Frank sélectionne en tout et pour tout 83 images qui paraissent en 1958 chez Delpire sous le titre Les Américains. Livre phare qu'ont feuilleté avec dévotion des générations entières de photographes, oeuvre culte préfacée par Jack Kerouac, dont on dit qu'elle a su capter l'essence de l'Amérique des 50's, ce petit bouquin continue d'exercer une fascination qui ne se laisse que difficilement analyser.

De quoi nous parlent-ils d'ailleurs ces Américains ?

2. Robert Frank, Beaufort, South Carolina, Les Americains, 1958.

“I was looking at the landscape. I knew I was in America. “What am I doing here ?” I asked myself. There was no answer. The landscape didn't answer me. There was no answer."*

"Je regardais le paysage. Je savais que j'étais en Amérique. Je me suis demandé : “Qu'est-ce que je fais ici ?”. Il n'y avait pas de réponse. Le paysage ne m'a pas apporté de réponse. Il n'y avait pas de réponse.”

Qu'y a-t-il à voir dans les photographies de Robert Frank ? Quelle genre de traces du réel documentent-elles, quel discours nous tiennent-elles ? Ne sont-elles, selon les mots de Frank que “des objets étranges, à moitié ensevelis, venus d'un autre temps, des objets doués d'une curieuse résonance, porteurs d'informations, de messages souhaités ou non, réels ou non ?”

3. Robert Frank, Paris, 1949.

Les photos de Frank, ce sont de petits morceaux arrachés au temps et à l'espace. Ni plus, ni moins. Mal cadrées, floues, parfois shootées sans même regarder dans le viseur, elles n'ont pour ambition que de témoigner d'une chose : du regard que Frank porte sur la vie. “Elles flottent dans le courant de [sa] vie normale”. Plus encore, elles sont la vie même de Frank, inextricablement liées à leur géniteur. Elles ne montrent rien de particulier si on y songe, elles ne démontrent rien, elles ne constituent pas les preuves d'un quelconque argument. Et pourtant leur puissante poésie peu à peu, au fil des pages, distille sa propre histoire.

Tout est affaire de narration.

4. Robert Frank, Paris, 1949.

C'est en découvrant son travail de cinéaste (Pull My Daisy en 1959 notamment) et les clichés parisiens que Frank réalise entre 1949 et 1952, que je commence à saisir ce qui fait de Frank un photographe si particulier. Ces photos paraissent insignifiantes, c'est ce qu'on se dit si on jette un coup d'oeil rapide à quelques unes d'entre elles. Elles ne semblent pas composées, elles ne capturent aucune sorte d'instant décisif, elles sont comme prises au hasard. Leur clé ne se livre qu'en les observant les unes à la suite des autres, car Frank photographie comme il filme et ce n'est qu'en promenant son regard d'image en image que le film photographique se recrée. “J'aimerais faire un photo-film, établir un dialogue entre le mouvement de la caméra et le gel de l'image fixe, entre le présent et le passé, l'intérieur et l'extérieur” écrit Frank.

Car ce qu'il y a à voir se trouve juste là, hors du cadre, dans cet entre-deux d'où transpire le lyrisme profondément mélancolique de Robert Frank.

5. Robert Frank, Paris, 1950.

Robert Frank, un regard étranger

exposition du 20 janvier au 22 mars 2009

Jeu de Paume

1 place de la Concorde, Paris 8e

Mardi (nocturne) : 12h à 21h
Mercredi à vendredi : 12h à 19h
Samedi et dimanche : 10h à 19h
Fermeture le lundi

Tarif plein 6 €
Tarif réduit 4 €

* Robert Frank dans un entretien filmé avec le cinéaste Jonas Mekas

Les autres citations sont extraites de Robert Frank, Photo-Poche n°10.

Photo du jour

2009-02-04T22:25:00.002+01:00

Photo (polaroïd) de l'auteur.

Photo du jour

2009-02-03T20:12:00.003+01:00

Photo (polaroïd) de l'auteur.

Photo du jour

2009-02-02T22:17:00.003+01:00

Photo (polaroïd) de l'auteur.

Photo du jour

2009-02-01T20:17:00.004+01:00

Photo (polaroïd) de l'auteur.

Photo du jour

2009-01-31T17:38:00.001+01:00

Photo (polaroïd) de l'auteur.

Photo du jour

2009-01-29T14:34:00.003+01:00

Photo (Polaroïd) de l'auteur.

Photo du jour

2009-01-28T15:51:00.002+01:00

Photo (polaroïd) de l'auteur.

Calendrier des expos parisiennes - hiver / printemps 2009

2009-01-26T23:26:00.009+01:00

Ca nous est tous déjà arrivé : les expos sont programmées pour durer plusieurs mois, mais on arrive toujours à rater une de celles qu'on avait repérées ! Les agendas culturels sont nombreux mais souvent incomplets et jamais pratiques. J'ai eu beau fouiller le net de fond en comble, je ne suis jamais tombée sur un site qui propose un calendrier visuel des expositions en cours et à venir.

Alors je vous ai concocté le mien. J'ai utilisé pour ça le site xtimeline qui permet de fabriquer soi-même des chronologies et surtout de les partager avec les autres. Voilà le résulta t. La chrono défile en faisant glisser le curseur vert qui se trouve en bas. En cliquant sur chaque expo vous accédez à ses dates et à un lien vers le site de l'institution qui l'accueille.

La chrono ne concerne malheureusement que les expos parisiennes, la tache était sinon beaucoup trop vaste ! Je ne suis pas non plus totalement satisfaite du résultat parce que les durées ne sont pas visibles sur la frise. Je suis donc toujours à la recherche d'un système simple et pratique pour créer le futur agenda des expos de l'été. Si vous avez ça sous le coude, je suis tout ouïe !

Erich Salomon – le roi des indiscrets – 1928-1938

2009-01-20T15:35:00.015+01:00

1. Erich Salomon, autoportrait au restaurant, à bord du Mauretania, vers 1929.

Non, je ne fais pas une fixation sur les régimes fasciste et nazi et je n’entretiens aucune passion particulière pour les dictateurs. Non en vrai, le but de la série de photos postées la semaine passée était de jeter un coup d’oeil du côté du photo-journalisme de l’entre-deux-guerres, en Europe en particulier, puisque je m’intéresse aujourd’hui au cas d’Erich Salomon. Photographe allemand actif de 1928 à 1938, il est considéré comme l’un des pères du reportage photographique moderne, et c’est à ce titre que le Jeu de Paume sur son site de l’Hôtel de Sully lui consacre une éclairante rétrospective.

2. Erich Salomon, Vers 4h du matin, peu de temps après l'installation de la ligne téléphonique transatlantique, Marlene Dietrich téléphone depuis Hollywood à sa fille restée à Berlin, 1930.

Mais avant d’entrer dans le vif du sujet je voudrais consacrer quelques lignes à un point qui me semble particulièrement important quand on aborde le thème de la photographie de reportage, à savoir ce que j’appellerai « la chaîne des intentions ». Je m’explique. Quand le photographe décide de pointer son objectif et de d’appuyer sur le déclencheur, il opère déjà une série de choix, qu’ils aient trait au sujet lui-même ou qu’ils soient d’ordre technique (réglages de l’appareil) et formel (cadrage, angle de vue etc.). Quand la pellicule est développée et la planche-contact tirée, vient le choix des clichés jugés les meilleurs. Lors du tirage on peut également décider d’intervenir sur un bon nombre de paramètres allant du simple recadrage au photo-montage le plus abouti.

Voilà, vous avez déjà là un petit aperçu de la chaîne des intentions présidant à la production d’une image photographique. A cela il faut ajouter, dans le cas du reportage photo, la série de choix qui sont opérés lors de la diffusion par la presse de ces images. Si les recadrages et les montages constituent les manipulations les plus évidentes, ne sous-estimons pas l’efficacité des mises-en-page et leur pouvoir de suggestion. Et que serait l’image sans sa légende ? Voit-on le même Goebbels si j’ajoute à la légende de ce cliché, pris lors de la 15ème session de la Société des Nations, que c’est à cette occasion que l’Allemagne la quitte ? Que penserait-on des deux enfants sur ce cliché de Margaret Bourke-White s’il n’était précisé qu’il s’agit de jeunes nazis ? Est-ce d’ailleurs ce même sentiment qui a étreint le lecteur de Life en 1938 à la vue de cette photo ou ne projetons-nous pas sur cette image, à notre tour, une intention toute autre, forgée par l’Histoire ?

Je ne peux m’empêcher de conclure cette réflexion par une citation : « Les photographies ne sont pas des images vraies, fausses, symboliques ou naturelles ; elles sont le résultat précis d’opérations techniques dont les circonstances sont historiques et les motivations humaines.»*

3. Erich Salomon, Dans l'antichambre de la séance nocturne décisive de la conférence de la Haye, 1929.

Ce qui nous amène, si l’on veut bien saisir dans quel contexte opère Erich Salomon, à examiner d’un peu plus près l’histoire du photo-journalisme et à dresser un bref état des lieux. Jusqu’aux années 1920, la presse illustrée, qui avait connu un immense essor depuis le milieu du XIXème siècle s’appuyait essentiellement, pour des raisons techniques, sur la gravure. La photographie est en premier lieu intégrée aux journaux sous forme de reproductions gravées à la main. Elle s’y fait progressivement une place plus importante à partir des années 1880 avec le développement de la similigravure, puis de l’offset en 1910.

Du côté des photographes, l’actualité, qu’elle soit sociale ou politique, a toujours constitué un pôle d’intérêt. Des premiers conflits photographiés, comme la Guerre de Crimée (1853-1856) couverte par Roger Fenton, James Robertson et Felice Beato, entre autres, à la misère des quartiers populaires retranscrite par Jacob Riis dans les années 1880-1890, et au travail des enfants dénoncé par Lewis Hine (autour de 1905), les images existent, mais ne peuvent encore être exploitées à plein par la presse.

Dans les années 1920, tous les facteurs sont réunis pour que la photographie connaisse un immense développement médiatique qui ne fait que s’amplifier dans les décennies suivantes. De petits appareils instantanés, maniables, permettant de shooter en série voient le jour, tels l’Ermanox (1924) et le mythique Leica (1925). La presse - magazines, hebdomadaires et quotidiens réunis - est en demande croissante d’images et commande de plus en plus de reportages. Les premières agences de photographes se forment, telle Dephot à Berlin en 1928.

4. Erich Salomon, Chamberlain et Heriot à la 2ème conférence de La Haye, 1930.

Erich Salomon a 42 ans quand il est engagé en 1928 par les éditions Ullstein et entame sa fulgurante carrière de photo-journaliste. Docteur en droit issu d’une famille de banquiers, rien ne le prédisposait au métier de photographe qu’il aborde en autodidacte. Equipé de son Ermanox, ses bonne manières et son élégance (on le surnomme le «photographe au smoking») lui ouvrent les portes de lieux jusqu’alors demeurés «inédits» tels les salles d’audience et les réunions politiques. Très vite, il met au point divers stratagèmes lui permettant de dissimuler son appareil – sous son chapeau, entre deux bouquets de fleurs avant un meeting... - et de parvenir à photographier sans être vu. Pour Salomon, le cliché est réussi lorsqu’il est parvenu à faire oublier sa présence et que personne ne regarde l’objectif.

5. Erich Salomon, Aristide Briand montre du doigt Erich Salomon et s'écrit : "Ah ! Le voilà, le roi des indiscrets !", Paris, Quai d'Orsay, août 1931.

Paradoxalement, son cliché le plus célèbre ne correspond pas à ces critères puisque cet instantané pris dans les salons du quai d’Orsay nous montre un Arstide Briand surpris au cours d’une conversation et se retournant sur le photographe qu’il a reconnu, le pointant du doigt. Au moment où Salomon appuie sur le déclencheur, il est démasqué et Briand s’écrit à son sujet : «Ah ! Le voilà, le roi des indiscrets !». Le mot associé à l’image est resté célèbre et si vous visitez l’expo vous aurez l’occasion de voir un cliché demeuré quant à lui beaucoup plus confidentiel, montrant l’instant précédent la surprise de Briand, alors qu’il est dos au photographe. Les deux clichés présentés côte-à-côte forment une sorte de diptyque qui rassemble tout ce qui fait la signature de Salomon que l’on considère aujourd’hui comme l’un des premiers photographes à mettre sur pied la «méthode paparazzi». N’oublions pas que si les codes de la photo volée nous sont aujourd’hui plus que familiers, et si notre oeil est habitué à les identifier, ce type d’image est extrêmement nouveau à l’époque. Pour la première fois le regard du spectateur pénètre au sein des sphères du pouvoir, du cinéma, de la littérature, et approche ceux qui, sous l’effet de leur médiatisation, sont en train de devenir des personnages publics.

6. Erich Salomon, Procès du Ringverein Immertreu, maître Erich Frey interroge un témoin, 1929.

Même si certains de ses clichés (notamment ceux de procès) lui ont valu quelques démêlés avec la justice, Salomon n’en cultive pas moins une conscience aigüe de l’éthique liée à son métier, de l’impact potentiel de ses clichés et des enjeux qui en découlent. Il sait mesurer l’importance de l’assentiment des personnes qu’il photographie et en jouer. Ainsi découvre-t-on à la fin du parcours de l’exposition une série de clichés surprenants mis en scène par Salomon, où diverses personnalités se voient confrontées aux photos que Salomon a prises à leur insu. Une mise en abyme qui a de quoi faire réfléchir.

7. Erich Salomon, Procès Krantz, Hilde Scheller dans le box des témoins, Berlin, février 1928

8. Erich Salomon, Audience à la cour suprême d'Angleterre, 1929.

9. Erich Salomon, Audience à la cour suprême d'Angleterre, 1929.

10. Erich Salomon, Conférence de la Haye, 1930.

11. Erich Salomon, Katharina von Kardorff-Oheimb et Ada Schmidt-Beil discutent au cours d'une soirée, Berlin, 1930.

12. Erich Salomon, Lors d'une réception à l'ambassade des Pays-Bas de Londres, 1937.

13. Erich Salomon, Lady Churchill et Lady Broughton à l'ambassade d'Autriche, Londres, 1937.

*Michel Frizot et Cédric de Veigy, Photographie(r), documentation photographique n° 8021, juin 2001, La Documentation Française.

Exposition Erich Salomon – le roi des indiscrets – 1928-1938
Jusqu’au 25 janvier
Hôtel de Sully, 62 rue Saint-Antoine, Paris 4ème

Du mardi au vendredi de 12h à 19h
Les samedis et dimanches de 10h à 19h
(fermé le lundi)

Plein tarif : 5 euros
Tarif réduit : 2,50 euros

Photo du jour

2009-01-17T20:42:00.003+01:00

Margaret Bourke-White, Jeunes nazis, 1938.

Photo du jour

2009-01-16T18:00:00.003+01:00

Felix H. Man, Mussolini donnant ses ordres à Teruzzi, commandant de la milice fasciste, 1931, Metropolitan Museum, New York.

Photo du jour

2009-01-15T11:08:00.003+01:00

Alfred Eisenstaedt, Le Dr. Joseph Goebbels à la 15ème session de la Société des Nations, Genève, 1933.

Photo du jour

2009-01-14T11:19:00.004+01:00

Adolfo Porry-Pastorel, Benito Mussolini à la Villa Torlonia posant pour le peintre américain Grossmann, vers 1930, archives photographiques de la Gazzetta del Popolo, Turin.

Photo du jour

2009-01-13T23:41:00.002+01:00

Tim Gidal, Au Biergarten, Münich, 1929.

Seventies - le choc de la photographie américaine

2009-01-12T20:17:00.030+01:00

(photo de l'auteur)

Si j’ai choisi de consacrer ces dernières semaines la photo du jour à Walker Evans, Robert Frank et Louis Faurer, ce n’est pas seulement parce que j’admire par dessus tout leur photographie, mais aussi parce que leurs figures tutélaires constituent un point de départ au parcours de l’exposition 70’s que propose actuellement la Bibliothèque Nationale de France dans sa galerie de photo.

Les codes de la photographie, qu’ils soient esthétiques ou qu’ils touchent au plus près à la nature même du médium, Evans et ses comparses les ont déjà bien bousculés au cours des années 40 et 50, affirmant une liberté de regard désormais débarrassée des derniers avatars de la photographie objectiviste d’avant-guerre. De la Neue Sachlichkeit et de la Straight Photography ils balaient les recherches graphiques confinant à l’abstraction, la rigueur extrême des compositions et l’esthétique très influencée par le Constructivisme. Plusieurs éléments trouvent cependant un prolongement et un approfondissement chez cette nouvelle génération de photographes qui use, à l’instar d’un Paul Strand, du snapshot (instantané) et porte un regard aiguisé sur la société de son temps.

Loins de rejeter cet héritage, les photographes américains des années 70 s’y adossent et poursuivent une exploration du réel et du médium avec plus de liberté encore. Liberté, je crois que c’est bien là le maître mot pour tenter d’approcher au plus près l’esprit des seventies et le parcours de l’exposition en rend compte à sa manière, mettant en exergue une diversité extrême de par le grand nombre de clichés et d’auteurs présentés, mais aussi par l’éclatement du contenu en une multiplicité de thématiques. Cette richesse ne nuit cependant en rien à la clarté du parcours, qui suit, de section en section, une progression particulièrement bien orchestrée entre observation du réel le plus trivial et onirisme déjanté.

Je laisse la place aux images puisque, comme le dit si bien Walker Evans "Pictures speak for themselves, visually, or they fail".

Portraits

1. Diane Arbus, Woman with accessories, N.Y.C., 1967

2. Mary Ellen Mark, Appalachian couple, 1977

3. Lee Friedlander, USA, California, 1970

Les rues

4. Charles Harbutt, Ellips, Washington D.C., 1971

5. Garry Winogrand, USA, California, Los Angeles, 1964

6. Garry Winogrand, USA, California, Los Angeles, 1969

7. William Klein, USA, New York, Amsterdam Avenue, 1954

8. Leonard Freed, USA, New York, Police work, 1975

9. Bruce Gilden, New York City, 1989

Les mondanités / Des gens ordinaires

10. Ken Ruth, Bartender, Sacramento, 1979

11. Charles Harbutt, Mannequin fashion night club, 1970

12. Ken Graves, Two business men, 1969

"A lot of people say we're chunks of meat, like cattle, but we're not. We're all individuals with dreams and aspirations like everybody else. Being a beauty contestant has taught me about myself, other people, poise and public speaking. If I had to do so."

13. Bill Owens, Our kind of people, 1975.

Les marges

14. Larry Clark, Tulsa, 1971

Géométrie / Espace

15. Charles Harbutt, New York, Park Avenue, Corporate buildings, 1970

Nature

16. Paul Caponigro, Redding Woods, Connecticut, 1968

Matière / Forme

17. Ray K. Metzker, USA, Philadelphia, 1968

18. Ralph Gibson, Sans titre, 1984

Le Miroir Obscur

19. Les Krims, A rake's revisionist regress, 1980

20. Joel Peter Witkin, The wife of Cain, 1981

22. Ken Ruth, Davenport, California, USA, 1980

23. Ralph Eugene Meatyard, Romance from Ambrose Bierce #3, 1962

L’expo, et c’est là un de ses grands mérites, prend donc la forme d’un prisme aux facettes multiples que chacun abordera selon sa sensibilité propre. Le panorama présenté, s’il n’est pas exhaustif, se veut aussi l’écho de l’engagement et des choix des conservateurs du cabinet de photo de la BNF dans l’enrichissement de la collection. L’expo rend ainsi une forme d’hommage à Jean-Claude Lemagny, qui, de 1968 à 1996 a oeuvré à la constitution du fonds, menant une politique d’acquisition dont l’exposition permet aujourd’hui de mesurer l’importance et la justesse.

Seventies - le choc de la photographie américaine

Jusqu’au 25 janvier

Bibliothèque Nationale de France – Site Richelieu

58 rue de Richelieu, Paris 2ème

Mardi-samedi de 10h à 19h, dimanche de 12h à 19h
Fermé lundi et jours fériés

Tarif plein 7 euros
Tarif réduit 5 euros

Photo du jour

2009-01-01T23:30:00.003+01:00

Louis Faurer, 14th Street Horn and Hardart, New York City, 1947.

Photo du jour

2008-12-31T20:39:00.004+01:00

Louis Faurer, Elevated Subway on 3rd Avenue (looking at Tudor City, New York), 1947.

Photo du jour

2008-12-30T23:31:00.004+01:00

Louis Faurer, New York, 1946.

Photo du jour

2008-12-29T17:15:00.003+01:00

Robert Frank, Parade, Hoboken, New Jersey, 1955.

Photo du jour

2008-12-27T18:21:00.002+01:00

Robert Frank, Political Rally, Chicago, 1956.

Photo du jour

2008-12-26T19:09:00.004+01:00

Robert Frank, U.S. 285, New Mexico, 1955.

Photo du jour

2008-12-25T11:46:00.002+01:00

Robert Frank, San Francisco, 1956.

Photo du jour

2008-12-24T23:41:00.002+01:00

Robert Frank, Woolworth, New York City, 1955.

Photo du jour

2008-12-23T18:53:00.002+01:00

Robert Frank, En Route from New York to Washington, Club Car, 1956.

Photo du jour

2008-12-22T19:48:00.003+01:00

Robert Frank, From the Bus, 1958.

Photo du jour

2008-12-21T22:51:00.003+01:00

Walker Evans, Havana Corner, Cuba, 1933.

Photo du jour

2008-12-20T19:09:00.004+01:00

Walker Evans, Female Pedestrian, New York, 1929-1931.

Photo du jour

2008-12-19T17:44:00.005+01:00

Walker Evans, Brooklyn Bridge, New York, 1929.

Photo du jour

2008-12-18T12:05:00.004+01:00

Walker Evans, Sidewalk Scene, Selma, Alabama, 1935.

Photo du jour

2008-12-17T15:35:00.002+01:00

Walker Evans, 6th Avenue - 42nd Street, New York, 1929.

Photo du jour

2008-12-16T14:52:00.002+01:00

Walker Evans, Sidewalk scene, Selma, Alabama, 1935.

Photo du jour

2008-12-15T14:34:00.002+01:00

Walker Evans, Main Street, Saratoga Springs, New York, 1931.

Walker Evans / Henri Cartier-Bresson – Photographier l’Amérique (1929-1947)

2008-12-05T00:23:00.007+01:00

C’est une confrontation entre deux géants de la photographie du XXème siècle que propose cet automne la Fondation Henri Cartier-Bresson.

Les regards croisés de l’américain Walker Evans et du français Henri Cartier-Bresson nous plongent au coeur de l’Amérique des années 30 et 40. Constituée principalement à partir de prêts du Getty et du MoMA, la sélection de clichés d’Evans couvre les premières années de la carrière du photographe, qui débute son activité dans le difficile contexte de crise de 1929. Le système boursier, en s’effondrant, provoque un vacillement de la nation dans son ensemble et le cataclysme de la Grande Dépression se répercute au premier chef sur la population. Evans en est l’un des témoins, retranscrivant sa vision de l’Amérique dans des clichés qui sont aujourd’hui considérés comme des jalons essentiels de l’histoire de la photographie. De ses deux ouvrages majeurs, Let Us Now Praise Famous Men paru en 1936 et American Photographs publié en 1938, est issue une bonne partie des clichés de l’exposition.

1. Walker Evans, Girl in Fulton Street, New-York, 1929.

2. Walker Evans, Graveyard houses and steel mill, Bethlehem, Pennsylvania, 1935.

3. Walker Evans, Hudson street boarding house, New-York, 1931.

La sélection de clichés de Cartier-Bresson, postérieure d’une dizaine d’années, est quant à elle issue des collections de la Fondation et comporte une part d’inédits. Tout comme Evans a hésité à ses débuts à embrasser une carrière d’écrivain ou de peintre avant de se tourner vers la photographie, Henri Cartier-Bresson a multiplié les trajectoires artistiques, s’essayant également à la peinture et menant plusieurs incursions dans le domaine du cinéma. C’est vers la photographie qui’il se tourne à nouveau – et il ne la délaissera plus jamais - lorsqu’il parcourt le territoire américain entre 1946 et 1947 en préparation d’une exposition pour le MoMA. Le français doit d’ailleurs beaucoup aux Etats-Unis puisque le galeriste new-yorkais Julien Levy est le premier à l’exposer dès 1933 alors que Cartier-Bresson débute à peine sa carrière, puis en 1935 lors de la fameuse exposition Documentary and antigraphic photographs, qui constitue la première confrontation des travaux d’Evans et de Cartier-Bresson. Les deux photographes se rencontrent à cette occasion et nourissent dès lors une admiration profonde et réciproque.

4. Henri Cartier-Bresson, Taos, New Mexico, 1947.

5. Henri Cartier-Bresson, Chicago, Illinois, 1947.

6. Henri Cartier-Bresson, New-York, Manhattan, Fulton street, Fish market, 1947.

La logique de l’exposition pousse bien évidemment à la comparaison, mais l’accrochage ne favorise heureusement pas uniquement les parallèles ou les contrastes trop évidents. C’est bien plus à un dialogue qu’invite le parcours, au travers des regards croisés des photographes, mais plus encore au sein même du corpus de clichés de chacun d’eux. Chez Cartier-Bresson, si l’on perçoit au premier abord l’éblouissement immédiat qu’un étranger peut ressentir en posant le pied aux Etats-Unis, le regard de ce géomètre de l’image se remet vite à l’oeuvre, mais toujours au service de l’humain, son sujet de prédilection. Et si Evans porte sur l’Amérique qui l’a vue naître un regard distancié confinant parfois au cynisme, entretenant une fascination certaine pour le délabrement et la déchéance, sa photographie est aussi empreinte d’une puissante poésie du réel. Evans par moment, c’est Faulkner mis en image. Alors peut-être est-ce aussi parce que la lecture de Sanctuaire est encore fraiche dans ma mémoire que cet écho m’a paru frappant. Mais Evans était lui aussi pénétré de cette littérature. Et l’écriture elliptique de Faulkner, si propre à enclencher dans l’imaginaire une construction mentale des lieux et des personnages, a parfois un si grande puissance évocatrice qu’en regardant certains clichés d’Evans on se sent en un lieu familier, qui nous est inconnu mais auquel on a déjà rêvé.

Envoutée par Evans, j’avoue m’être un peu moins attardée devant les clichés de Cartier-Bresson, mais l’exposition propose un bel équilibre, une complémentarité de vision qui s’exprime sous une multiplicité de formes. Cette diversité permet à chacun d’aborder le corpus d’oeuvre selon sa sensibilité propre et c’est là l’un des plus grands mérites de l’expo.

Walker Evans / Henri Cartier-Bresson – Photographier l’Amérique (1929-1947)
Jusqu’au 21 décembre
Fondation Henri Cartier-Bresson
2 impasse Lebouis, 75014.

Expos de l'été - derniers jours

2008-09-09T15:18:00.004+02:00

Le blog tourne au ralenti en ce moment, je m’en excuse. Ce sera le cas durant quelques semaines encore, le temps d’achever mon mémoire, puis de le soutenir.

La plupart des expos de l’été sont en train de se terminer, alors profitez des derniers jours si vous n’en avez pas encore eu l’occasion. Je sais bien comment ça se passe, on se dit toujours qu’il y aura trop de monde, la queue, tout ça, et puis qu’une expo, ça dure bien assez longtemps pour qu’on trouve un moment pour s’y rendre. Et on la rate. C’est comme ça que je viens de rater l’expo Peter Doig au Musée d’art moderne de la ville de Paris.

1. Bridget Riley, Fall, 1963, émulsion sur panneau de fibres, Tate Gallery.

Il vous reste en revanche une semaine pour aller voir, toujours au MAMVP, la rétrospective consacrée à Bridget Riley. Vraiment, faites le déplacement si vous le pouvez, parce que ces oeuvres-là, il faut être bien en face de chacune d’entre elles pour comprendre toute la dimension (ou plutôt les dimensions) que peut prendre l’op art manié par un maître du genre. Plonger le regard dans ces toiles est une expérience que votre rétine n’est pas prête d’oublier et visiter cette expo m’a laissé cette même sensation qu’il y a quelques années lors de la rétrospective Rothko, le frisson que l’on ressent lorsque la couleur et les formes se mettent à vibrer et vous entraînent autre part.

Dans une semaine également se termine l’exposition Annie Leibovitz, a photographer's life, 1990-2005 à la Maison européenne de la photographie. Le parti pris de l’expo est de présenter aussi bien ses photos vues et revues de célébrités, parues dans Rolling Stones Magazine, Vogue ou encore Vanity Fair, que ses clichés pris dans l’intimité, dévoilant le quotidien de sa relation amoureuse avec l’écrivain Susan Sontag. Un grand écart d’autant plus acrobatique que les deux versants de la production de Leibovitz semblent inconciliables tant sur le plan formel qu’au niveau de la démarche même de la photographe. Autant sa production «commerciale» destinée à être publiée dans la presse témoigne d’un souci de mise en scène exacerbé et d’une volonté de transfigurer son sujet en icône, autant ses petites épreuves en noir et blanc pour la plupart, prises au sein de la cellule familiale, sont d’une fragilité et d’un naturel extrêmement touchants.

2. Annie Leibovitz, Susan et Sarah, Harbor Island, Bahamas, décembre 2002.

Dans l’une des dernières salles, vous croiserez un portrait de Richard Avedon pour qui Leibovitz conçoit une immense admiration. L’occasion pour moi de vous rappeler que l’exposition consacrée au Jeu de Paume à cet autre maître du portrait photographique dure jusqu’au 27 septembre, et que s’il fallait choisir, ce serait bien celle-ci qui remporterait mon suffrage, de très loin.

Bye bye pola

2008-08-19T12:08:00.005+02:00

En février dernier, la firme Polaroïd annonçait qu'elle cessait définitivement sa production de films instantanés. Depuis, le décompte a commencé et chaque déclenchement nous rapproche de la fin. Disons lui au revoir en bonne et due forme.

Photos de l'auteur.

Pause estivale

2008-08-04T22:50:00.003+02:00

Une dizaine de jours loin de toute connexion internet... Le temps de se ressourcer et de se remplir les yeux d'images aussi, puisque je passerai quelques jours en Arles, à l'occasion des rencontres de la photo, comme chaque année depuis maintenant 5 ou 6 ans. J'ai hâte !

Et je vous en rapporte bien sûr tout un tas d'images et d'impressions sur mes expos préférées. A très vite !